Biographie

Biographie de Georges Braque

Argenteuil-sur-Seine, 1882-París, 1963.

Braque a écrit, ensemble avec Picasso, un des chapitres plus importants de l'histoire del art moderne : le cubisme. Georges Braque est considéré cofundateur avec Pablo Picasso du mouvement pictural cubista, ceux-ci avec Juan Gris sont les trois piliers du Cubismo. A maintenu une relation étroite avec eux (surtout avec Picasso), qui a marqué chacun des pas de ce mouvement artistique, protagoniste de la première moitié du siècle XX.

La formation de Braque a commencé dans l'atelier de décoration de son père, à Argenteuil, et a continué dans l'École de Beaux Arts Le Havre depuis 1897 jusqu'à 1899, où il s'est transformé en disciple de Charles Lhullier et il a connu à d'autres créateurs, comme Dufy ou Friesz. Contacter avec ces deux auteurs il a seulement été le principe puisque, cette même année Braque a été transférée à Paris où elle commence à travailler comme apprenti peintre décorateur, dans 1899; il a reçu son titre de sculpteur durant l'année 1901. À Paris il a étudié pour un temps dans l'Académie Humbert, ou assistaient aussi Francis Picabia et Marie Laurencin, s'est artistiquement initié dans la peinture de paysage, en s'éloignant rapide de l'académisme et en s'intéressant à la peinture de Corot, Cézanne, Matisse, Derain, Poussin et Vont Gogh. En 1902 il effectue son service militaire qui comme artisan qui était seulement lui durerait une année. En 1904 il a été installé dans son étude propre. à cette époque parisienne on apprécie déjà sa sympathie par les avant-gardes dont le sillage le conduciria au Fauvisme ; une tendance qui approuverait et dans laquelle serait incluse a 1905.

Fauvisme

Il est passé l'été de 1906 à Anvers, avec Othon Friesz, et à l'automne de cette même année il a dirigé ses pas à L'Estaque, il s'approche Matisse et à Cézanne et le fauvismo atteint de la plénitude. Là sa palette a été rendue plus brillante contaminé par les jeunes fauves, avec lesquels il a exposé dans le Salon tu donnes Indépendents de 1907 et commence à donner davantage importance à la structure linéaire du tableau qu'à la couleur. Par Apollinaire il connaît à Picasso et D.H. Kanweiler lui présente, la syntonie, la rencontre et l'amitié avec Picasso l'a définitivement entraîné à l'univers cubiste. On parle de septembre 1907, quand Picasso travaillera dans les "mesdemoiselles d'Avignon" ; comme moment clef où il est dit il naît le cubisme ("officiellement"). Depuis ce moment jusqu'à 1914, Picasso et Braque ont travaillé collaboration étroite et ont consigné les bases du nouveau langage cubiste.

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La bañista (1907) señala el abandono de la pintura fauve y reafirma su deuda con respecto a Cézanne. Los colores se reducen progresivamente a ocres, verdes y grises y todo ello se transforma en volúmenes geométricos. A partir de una crítica de Louis Vauxcelles sobre sus cuadros del "Salón de Otoño" (1909) se generaliza el nombre de cubismo. Picasso y Braque ya han decidido trabajar juntos. Desde 1908 hasta que la guerra los separó, en 1914, mantuvieron una amistad enriquecedora. "Nos veíamos todos los días -cuenta Braque- discutíamos, ensayábamos las ideas que nos llegaban y comparábamos nuestras obras respectivas". Como Picasso se dejaba seducir por diferentes posibilidades en cuanto a morfología, configuración e iconografía, las grandes líneas de evolución del cubismo son más fáciles de percibir en la obra de Braque.

De hecho, muchas de las innovaciones que introdujo en el arte la práctica cubista -la inclusión en el cuadro de letras de imprenta, los pigmentos mezclados con arena, las imitaciones de madera y mármol, e incluso la escultura cubista- son creaciones de Braque, aunque Picasso las llevara hasta el límite. En cambio, la técnica del papier collé la tomó Braque de una obra de Picasso de 1912, Naturaleza muerta con una silla de paja un cuadro oval con un pedazo de hule en su parte inferior. Braque realizó muy poco después Frutero y vaso, donde tres pedazos de papel de empapelar imitando maderas se combinan con un dibujo al carbón. Comparando las piezas de uno y otro en este terreno también pueden confrontarse las distintas personalidades artísticas de Braque y Picasso, La sensibilidad de Braque para una armonía de composición fundamental y penetrante ha transformado su repertorio de objetos humildes en un diseño de rara elegancia. Por su parte, Picasso, que observaba intensamente las cosas reales, podía ignorar las consideraciones decorativas, a fin de comunicar la experiencia inmediata que sacaba de ellas.

Picasso contaría en una ocasión cómo, al despedirse de Braque en la estación de Avignon, en 1914, cuando éste marchaba a combatir en la Primera Guerra Mundial, se dijeron adiós para siempre. En realidad fue así, pues nunca volvieron a trabajar juntos. La guerra había apartado sus respectivos mundos. A pesar de todo, en sus obras abundarían durante las décadas siguientes las semejanzas y los contrastes.

En 1915, Braque recibió una gravísima herida en la cabeza que le obligó a una larga convalecencia y lo mantuvo alejado de la pintura hasta 1917. En 1919 su nuevo marchante, Léonce Rosenberg, le organizó una exposición individual. La serie de naturalezas muertas que realiza en esos años y durante la siguiente década, con una paleta restringida de verdes, ocres y blancos sobre una capa de negro, le aportó fama internacional. Durante los años treinta, el estilo de Braque cambia: los colores sucios de sus anteriores obras son sustituidos por tonos sutiles y delicados -rosas, verdes pálidos, amarillos y lavandas-, y los objetos parecen lejanos e inmóviles, producto del confinamiento estético en el que surgen: Braque vive en estos años ajeno a todo lo que ocurre fuera del taller, y sus motivos no proceden tanto de la naturaleza como de dibujos y esquemas realizados a partir de pinturas preexistentes.

El Cubismo

El Cubismo descompone las formas y las aborda desde mil y una perspectivas que luego se superponen en el cuadro para presentar visiones insólitas de paisajes y figuras. Se distinguen en él dos etapas características: la analítica (1908? 1911). Sus paisajes de 1909 a 1911 se transforman en planos de color y se consolida el cubismo analítico.

En el cubismo sintético (1912? 1914); periodos por los que Braque pasó centrando su producción en las naturalezas muertas, entre las que habría que destacar "Naturaleza muerta con instrumentos musicales" (1908), "La mesita redonda" (1911), "La mesa del músico" (1913) y "Vaso y violín" (1913-1914). Son una constante en su obra la inclusión de elementos tipográficos, leyendas y otros como papel encolado que acabaría por producir la técnica de los collages.

En 1914, la Primera Guerra Mundial puso fin al frenético intercambio creativo entre Picasso y Braque, quien participó en el conflicto bélico. Terminada la contienda, aunque no se apartó de las líneas básicas del Cubismo, volvió a considerar la importancia de la figuración más conservadora y se volcó en los bodegones para desarrollar un estilo más personal, que algunos críticos, aún hoy, tachan de excesivamente decorativista. A esta época pertenecen los Guéridons (Naturalezas muertas sobre mesa redonda o también llamados Bodegones del velador), como la serie "Pequeñas chimeneas". Además, de forma paralela a su fidelidad hacia estos motivos tradicionales, Braque dio rienda suelta, a partir de los años veinte, a su fascinación por la Grecia clásica plasmada en sus "Canéforas" (1923?1926).

Ya en la década de los cincuenta, decidió introducir nuevos escenarios en sus obras y atreverse con otras disciplinas artísticas. Había superado el medio siglo cuando las puestas de sol en el mar, el vuelo de los pájaros y diversos paisajes naturales inundaron su pintura. Lo vemos en "Ateliers" (1948?1955) y "Pájaros" (1955-1963). Por otro lado, se incluyen en esta etapa sus incursiones en el grabado (destacable es su "Teogonía de Hesíodo") y la escultura: Braque escogió el bronce para moldear "Caballo y arado" (1939?1940) y "Cabeza de caballo" (1941?1942).

En definitiva, como se puede apreciar por todo lo escrito, fue un creador prolífico, que no se cansó de reproducir en los más diversos soportes su particular percepción de la realidad. Consecuencia de ello son las numerosas exposiciones retrospectivas que han organizado y organizan a propósito de su trayectoria los más importantes museos del mundo. En la actualidad, el Guggenheim Museum; el Metropolitan Museum of Art; el Minneapolis Institute of Arts y la California State University Library son una muestra de las prestigiosas colecciones que cuentan con alguna obra suya.

Cubismo analítico y cubismo sintético

No podemos dejar pasar la oportunidad que nos brinda asomarnos a la vida de Braque para profundizar un poco más en el movimiento que marcó el ritmo de su proceso creativo y al que sus paisajes dieron nombre, ya que fue un crítico francés, Louis Vauxcelles, quien para definir la obra del artista en una exposición utilizó la palabra "cubismo".

Analizar la realidad mediante la descomposición en planos de los volúmenes del objeto. Como indicábamos anteriormente, esta tendencia pasó por dos etapas muy específicas, la analítica, entre 1910 y 1912, y la sintética, de 1912 en adelante. En cuanto a la etapa analítica, de la que una obra de Braque, "Hombre con guitarra", es representativa, hay que destacar la intención de los creadores que se sumaron a este estilo por analizar la realidad mediante la descomposición en planos de los volúmenes del objeto. Con este procedimiento, se perseguía fraccionar la imagen y presentarla ante el ojo humano fragmentada, obligando a la mente a recomponer lo deshecho.

A partir de tales directrices, como es obvio, se perseguía, muy lejos de un arte figurativo, un arte conceptual, en el que la curva no tenía espacio; donde rectas e iluminaciones ficticias, manipuladas también al ser captadas desde diferentes ángulos, asumían un total protagonismo. En cuanto a los colores, frente a la multiplicidad de perspectivas, se simplificaron en una evidente predilección por el monocromatismo y los tonos no estridentes: rojos apagados, marrones, violetas y azules se emplearon para atrapar en el lienzo de dos dimensiones los referentes tridimensionales de las pinturas.

Dentro de la fase analítica, en una primera época, paisajes y naturalezas muertas (existe una preferencia clara por los instrumentos musicales, las botellas y los periódicos) fueron captados compactos, abigarrados como minerales picudos para, poco a poco, conforme se iba acercando la transición al cubismo sintético, expandir sus difusos límites en el lienzo.

En 1912, el periodo sintético toma las riendas. Quizás, más allá de todas las definiciones académicas posibles, la explicación coloquial de Juan Gris, "de un cilindro hago una botella", nos ayude a comprender su esencia. En esta ocasión, ya no se simplifica sólo la elección de tonalidades; también la de planos, cuya amplitud aumenta para representar cada objeto con un perfil único.

Lo más peculiar de esta fase fue el recurso a materiales no pictóricos; la ya definida técnica del Collage, que permitió incorporar al lienzo elementos de la misma realidad que Picasso, Gris y Braque trataban de reproducir. Así, con la inclusión de "realidad" en la obra de arte, se avivó la reflexión acerca de qué es lo real y qué ficticio; una dicotomía que todavía hoy no ha sido por completo definida.

Fuentes – Originales en los enlaces siguientes. http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Braque http://www.liceus.com/ http://www.artehistoria.com http://www.portaldearte.cl http://www.portalmundos.com/friend/mundoarte.php http://www.spanisharts.com/ Museo Thyssen-Bornemisza